La représentation des personnes transgenres au cinéma et à la télévision est un véritable champ de mines où se mêlent la provocation, les problèmes bien intentionnés et la bigoterie pure et simple. Il est facile de comprendre pourquoi de nombreuses personnes transgenres choisissent de se référer à l’art qu’elles consomment à un niveau allégorique et symbolique plutôt qu’à une représentation littérale. Après tout, les plus grandes représentations de la féminité transgenre dans la culture pop des années 1990 se trouvaient dans Ace Ventura et Le Silence des agneaux, des films qui ne sont pas exactement connus pour leur vision aimable et nuancée de l’expérience transgenre. Alors pourquoi une personne transgenre ne choisirait-elle pas plutôt d’embrasser les thèmes de Matrix ou de Ghost in the Shell ? Au moins, lorsqu’une allégorie, intentionnelle ou non, est imparfaite, vous pouvez vous rabattre sur le caractère indirect de la narration, l’interprétation littérale vous permettant de soutenir les thèmes qui résonnent le plus fortement. Heureusement, du moins en termes de ton et d’intention, notre référence culturelle en matière d’empathie transgenre directe est passée de l’hostilité à la curiosité cisgenre, ce qui est au moins un pas dans la bonne direction.
Dans les années 2010, le vent a tourné vers l’examen des personnes transgenres en tant que nouveauté de l’art de prestige, de la même manière que le drame romantique entre deux acteurs hétérosexuels est devenu un appât pour les Oscars dans la foulée de Brokeback Mountain. L’Académie a récompensé les acteurs cisgenres Jared Leto et Eddie Redmayne pour des films qui, au moins superficiellement, font preuve d’empathie à l’égard de l’expérience transgenre, mais les performances elles-mêmes frisent la caricature, car les personnages habités par les acteurs cisgenres sont presque uniquement définis par leur identité transgenre et n’ont aucune dimension au-delà de leur rôle de martyr tragique des préjugés de la société.
La télévision s’en est mieux sortie dans les années 2010, le rôle révolutionnaire de Laverne Cox dans Orange Is The New Black marquant un changement très médiatisé dans la représentation de personnages transgenres dans des rôles plus importants que ceux de victimes dans les séries policières. Cependant, il y a toujours un sentiment de nouveauté dans cette évolution passionnante, une poussée marketing progressiste qui fait de la présence et de l’approbation implicite des transsexuels un critère de référence de la bonne foi libérale. Sophia Burset est un grand pas en avant pour la représentation des transgenres, mais Orange Is The New Black fait constamment référence et rappelle au public le statut de Cox en tant que femme transgenre dans un environnement majoritairement cisgenre. C’est une présence acceptée, bien qu’elle ne soit pas sans sa part de bigoterie réaliste, mais Sophia commence à devenir un personnage moins persistant au fur et à mesure que la série progresse et l’écriture perd progressivement son intérêt en tant qu’accroche pour ramener son public chaque saison.
L’exemple le plus explicite de représentation transgenre élaborée par des créateurs transgenres est Transparent, un exercice fascinant qui consiste à observer l’allié se développer en temps réel sur des années de télévision. La showrunner Joey Soloway a accueilli un de ses parents qui a fait son coming out en tant que transgenre et a réalisé au cours de la série qu’elle était elle-même non binaire. Le casting de l’acteur cisgenre Jeffrey Tambor dans le rôle du personnage inspiré par la mère transgenre de Soloway est un mauvais pas en avant dont la série ne s’est jamais complètement remise, alimentant la perception erronée que l’identité trans est intrinsèquement performative et doit être reproduite par des acteurs cisgenres assignés au même genre à la naissance que le personnage. Pourtant, des actrices comme Alexandra Billings et Trace Lysette ont apporté leur expérience à des rôles qui ne ressemblaient à rien de ce qui les avait précédées à la télévision, en critiquant activement les relations entre cisgenre et identité trans, avec des auteurs comme Our Lady J et Ali Liebegott qui ont fourni les mots et les scénarios pour dépeindre cela à un large public.
Ce message contient des spoilers pour Super Girl
Cependant, même cette série a un air de tourisme cisgenre, puisque la majorité des acteurs principaux étaient cisgenres et que toute la prémisse de la série est basée sur la nouveauté de voir une famille s’accommoder du fait que son patriarche apparent embrasse l’identité transgenre. La série elle-même est importante en tant qu’outil éducatif imparfaitement divertissant pour les téléspectateurs cisgenres et constitue un pas en avant dans la carrière de nombreuses personnes transgenres impliquées, mais elle limite également l’identité transgenre à une discussion singulière sur la transidentité, menée par un showrunner dont la compréhension de sa propre identité non-binaire a été explorée à travers la création de la série elle-même. Cela a de la valeur, mais cela place encore la série dans le domaine de l’intellectualisme performatif qui a défini une grande partie du soi-disant âge d’or de la télévision.
L’étape suivante consiste à considérer les personnes transgenres comme une partie intégrante de notre société, en les intégrant dans des histoires où le fait d’être transgenre est une partie importante de leur identité, mais ce n’est pas leur raison d’être ni celle de la série. Nous avons vu cette approche, en parallèle avec Orange Is The New Black, dans une autre des premières séries Netflix, Sense8 de Lana et Lilly Wachowshi, où Jayme Clayton jouait le rôle d’un hacker et d’un activiste dans une série sur la connexion psychique entre des étrangers dans le monde entier, bien que le concept et l’exécution de la série n’aient suscité qu’un intérêt culte. Nous avons également assisté récemment à une telle intégration dans Star Trek : Discovery, avec Blu del Barrio et Ian Alexander jouant des rôles qui font référence à leur existence en tant que personnes non binaires et trans, respectivement – parfois maladroitement, mais avec un effort louable – mais sans intrigue qui explore littéralement ces identités au profit d’un public cisgenre.
Le plus grand bond en avant, cependant, semble être né de Nia Nal de Supergirl, qui trouve un équilibre entre représentation explicite et valeur de divertissement pure qui marque un tournant aussi important que l’ascension de Laverne Cox, quoique de manière moins explicite. Nicole Maines a rejoint la série dans le rôle de Nia, alias la super-héroïne Dreamer, lors de la quatrième saison de Supergirl. La série avait donc déjà un ton établi et une base de fans, en partie grâce à son féminisme poptimiste, mais surtout grâce à sa place dans la série Arrowverse extrêmement populaire de The CW, basée sur les personnages de DC Comics. Nia est écrite pour être un membre récurrent et intégral de la distribution principale de la série, et bien que Nia soit un personnage transgenre et qu’elle discute ouvertement de ce fait avec d’autres personnages, elle n’est pas écrite pour être le personnage trans symbolique de la série.
Nia est un peu idiote, avec une passion pour le journalisme et la justice qui la place dans une sorte de relation de petite sœur avec la fille d’acier. Ses superpouvoirs sont basés sur une ascendance extraterrestre transmise par voie matrilinéaire aux femmes de l’espèce, ce qui lui donne la capacité de voir l’avenir. Elle développe une relation sentimentale avec Brainy qui devient le point central d’une histoire de trahison présumée et d’émotions cachées. Ce sont des caractéristiques et des intrigues qui donnent à Nia une dimension indépendante de sa transidentité, lui permettant d’exister en tant que personnage sans avoir à faire constamment référence à un fait connu et compris de son identité.
Mais la série n’hésite pas non plus à explorer le personnage de Nia dans des épisodes et des intrigues qui mettent spécifiquement en évidence sa transidentité. Quelques épisodes après son arrivée dans la série, Nia fait son coming out auprès de son patron James Olsen pour que le journal CatCo donne la priorité au soutien des minorités menacées plutôt qu’à l’apparence d’un reportage “équilibré”. Un épisode explore la relation de Nia avec sa famille lorsqu’elle réalise que l’héritage des pouvoirs précognitifs de sa mère fait d’elle la successeure de sa lignée, même si sa sœur a du mal à accepter cette réalité parce que Nia est trans. Dans un autre épisode, Dreamer accepte explicitement la violence à l’encontre de la communauté transgenre et son rôle de protectrice, et non d’ange de la vengeance.
Ces exemples sont explicites, directs et ne sont pas totalement à l’abri des critiques concernant l’exploration des questions transgenres, mais ils s’inscrivent dans le droit fil de la représentation générale de la série des questions féministes par une allégorie légère et un mélodrame sans filtre. Supergirl elle-même est construite sur une base de féminisme qui va de pair avec ses pitreries de super-héros, ce qui explique en partie pourquoi il est si important que Nia Nal soit devenue la première super-héroïne transgenre à la télévision grâce à cette série. Nia n’est ni symbolisée pour son existence en tant que femme transgenre dans ce casting, ni assimilée sans reconnaissance de ce que Nicole Maines peut spécifiquement apporter au rôle. Elle est intégrée avec succès dans une série populaire de super-héros, au sommet de la signification pop-culturelle dans le zeitgeist actuel, et sa présence ouvre la voie à d’autres interprètes transgenres pour qu’ils puissent avoir des rôles intégrés de la même manière et largement vus.
Tout cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas encore de place pour que les séries de prestige explorent l’expérience transgenre ou que les créateurs transgenres réalisent des œuvres explorant leurs propres expériences. Orange Is The New Black, Transparent et les œuvres des sœurs Wachowski méritent toutes leur place dans l’histoire de l’art transgenre pour ce qu’elles apportent à la table. Cependant, si Nia Nal est si importante en tant que personnage, c’est parce qu’elle montre son humanité dans un média qui ratisse large et qui, de ce fait, attire plus qu’un public de niche. Alors que les attaques contre l’autonomie et la sécurité des personnes transgenres ne cessent d’augmenter, cette inclusion empathique dans nos formes de divertissement les plus larges donne l’espoir que le vent peut tourner contre la haine.
